Diretores

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Nasceu em Abéché, na República do Chade, em 1960. Em 1982, migrou para Paris para começar sua carreira como jornalista e cineasta. Cursou o Conservatoire Libre du Cinéma Français e estudou jornalismo em Bordeaux. Trabalhou como jornalista antes de dirigir seu curta-metragem de estreia, Maral Tanié (1994). Seu primeiro longa, Bye-Bye Africa (1999), venceu o prêmio de melhor filme estreante no Festival de Veneza. Também dirigiu Abouna, Notre Père (2002) e Estação Seca (2006, 31ª Mostra), vencedor do Prêmio Especial do Júri em Veneza. Seu quarto longa-metragem, Um Homem que Grita (2010), recebeu o Prêmio Especial do Júri no Festival de Cannes. O filme foi exibido na 34ª Mostra, onde o diretor foi homenageado com o Prêmio Humanidade em reconhecimento de sua luta política e estética pelo cinema de seu país, que até o início de 2011 não possuía nenhuma sala de exibição. Graças à pressão e prestígio do diretor, o governo do Chade restaurou o Normandie, um antigo cinema em ruínas reinaugurado na capital N’Djamena. Haroun também foi membro do Júri Internacional da 35a Mostra.

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Joris Ivens nasceu em 1898, em Nimege, na Holanda. Seu pai tinha uma loja de aparelhos fotográficos que, pouco a pouco, se transformou num importante entreposto das novidades da fotografia e do cinema, com o nome de Capi (iniciais do nome do pai de Joris: Cornélius, Adrian, Peter, Ivens). Graças a essa convivência, o jovem Joris estréia no cinema com a idade de 13 anos, dirigindo o seu primeiro curta "A Flecha Ardente", com toda família vestida de índio. Sua carreira de cineasta se intensificou com os movimentos de vanguarda nos anos 30 e logo se tornou o grande nome entre todos os documenteristas da história do cinema. Joris Ivens realizou mais de 60 filmes nos quatro cantos do mundo, registrando guerras, culturas e revoluções a luta do homem contra a natureza, injustiças e belezas. O seu cinema é um legado para a humanidade. Ivens morreu em junho de 1989 deixando "História do Vento", co-dirigido com sua mulher Marceline Loridan, como último testamento. Este filme destacou-se na seleção da 13ª Mostra e volta na 15ª como parte da homenagem prestada a Joris Ivens, com a participação de Marceline Loridan.

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Birth name Marat Bejshemekov Date of birth (location)1957,Talas, Soviet Union [now Kyrgyzstan]Place of birth: Talas, Kyrgyz RepublicDate of birth: 26/09/1957Education: Department of Philology, Kyrgyz National University, Bishkek, Kyrgyzstan, 1980 Cinema Academy, Moscow, 1984Professional experience: Author of scripts:· “Face to Face”, Film Studio Kyrgyzfilm, 1991 · “Show-Storm Railway Halt”, Film Studio Kazakhfilm, 1994· “Hunter’s Family”, Film Studio Kazakhfilm, 1994· “Milky Way”, Film Studio Kyrgyzfilm, 1996· “Beshkempir”, Kyrgyzfilm-France, 1998Directed films:· “Praying for the Virgin Bird (animation film), 1989”· “IN SPE”, feature film (Kazakhstan), 1993· “Mandala”, documentary film, 1998· “My Brother Silk Road” (?ltyn Kyrghol), feature film, (Kazakhstan- Kyrgyzstan), 2001· “The Fly up” (Ergÿ), short film, (Kazakhstan-Kyrgyzstan), 2002Professional affiliation: Member of Confederation of Unions of Film Makers of NIS (Newly Independent States). Live and work in Bishkek, Kyrgyzstan

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Nasceu na Austrália, em 1960. Diretor, produtor, roteirista e ator. No começo dos anos 1990 dirigiu vários filmes para a televisão, incluindo o drama Jigsaw e o longa de suspense Crimetime. Dirigiu e produziu Jimeoin and Full Frontal. No final dos anos 90 realizou a comédia de situações The Adventures of Lano and Woodley e o filme The Craic. Também no final dos anos 90, Marc refez a série Full Frontal para a Ten Network. Originalmente autorizada para onze episódios, como produtor executivo e diretor, Marc ampliou a série, reintitulou de Totally Full Frontal e fez 35 episódios. Criou e dirigiu as séries Sit Down Shut Up e Shock Jock. No novo milênio Marc continuou dirigindo vários longas premiados, incluindo Takeaway, a comédia adolescente You and Your Stupid Mate.

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Nasceu em Karlsruhe em 1977. Estagiou como designer gráfico e redator de propaganda, e trabalhou em produções de diversos filmes em Berlim e Hanover. Depois estudou Cinema Documentário na Escola de Cinema de Baden-Württemberg. Os Primeiros Anos de Wim Wenders é seu filme de conclusão de curso. CARTE BLANCHE TO WIM WENDERS - THE 2008 HUMANITY PRIZE Wim Wenders has been given carte blanche by the 2008 São Paulo International Film Festival to program whatever he will. He has been one of the authors most in evidence over the course of Mostra editions and of our history as film lovers. Always courageous in manifesting his disquiet in face of a world with misleading signs of modernity, Wenders manifests his non-conformity with disturbing sagacity, presence of mind, innovation, and a ceaseless quest for innovating formulas of expression. Changeable and sufficiently daring, he has never concealed his fascination for American popular culture and the icons that people our imagination - outright fascination with criticism, not dazzle, that imbues us with courage and frees us from the guilt of stagnation - an invitation to travel and to a second reading: fascination that fills our eyes and mind with poetry and musicality, nostalgia and modernity, looking back into the past and into the future with the certainty of one crying out for changes in the present. Wenders made good use of fame that grew rapidly as emerging talent in a Germany paranoic about its own future. Even as an exponent of the New German Cinema movement, he made his way to the United States to pay tribute to several of his idols - one to actor and director Dennis Hopper, with The American Friend (Der Amerikanische Freund, 1977), another to directors Nicholas Ray and Samuel Fuller, all three acting in the same film. He re-invented his modernity with a neo-noir film and, at the same time, aroused our admiration for novelist Patricia Highsmith and her inspired character Tom Ripley. He also paid tribute, indirectly, to Alfred Hitchcock who adapted the novel to cinema in Strangers on a Train (1950). Wim Wenders’ sincerity is stimulating. His American pilgrimage was astonishing. His films involved spectators with characters and plots able to take the martyrdom of a film lover to the final consequences - a return to Nicholas Ray, the mythical director of Johnny Guitar (1954) and Rebel Without a Cause (1955). With him, Wenders filmed Lightning Over Water (1980) to record his slow, real death. Wim Wenders’ inventiveness afforded us exciting escapes, even when they triggered conflict with icons admired in common. Such was the case of the fascinating tribute to Dashiel Hammett, author of police novels, the soul of film noir, at a very high cost. Hammett, of 1982, was also filmed in the United States and generated conflicts with the producer we so admired as a film maker - Francis Ford Coppola. Between agitated filming and interruptions, he went back to Europe to film The State of Things, in 1982. He would never have imagined, but this film became the symbol of resistance against the Brazilian military dictatorship, after winning the Golden Lion at the Venice Festival. On October 20, 1984, with over one thousand people in a sold-out session of The State of Things at Cine Metrópole, a movie theater that has, unfortunately disappeared, the agents of the Federal Police arrived with orders to close down the 8th São Paulo International Film Festival. In The State of Things, a filming team is in Portugal inspired on Wenders’ own autobiography with the difficulties of a film maker to make a film without being able to shake off the opression from the producer. It all began one month before the 8th Mostra opened, when we challenged the government in its last year of dictatorship. By sueing the Federal Government, we would win the case in court so that, for the first time in eight years of existence, we would hold a festival without subjecting the selection of films to prior government censorship. Mostra was reacting to all the years of humiliation. One week later, the federal government was to annul the temporary restraining order and, to everyone’s astonishment, close down Mostra. And precisely when The State of Things was being shown... With my voice shaken and tears in my eyes, I read the court decision to an astonished audience - prohibiting a São Paulo International Film Festival free of censorship. Meanwhile, in the throes of creativity, Wim Wenders recovered from the impact of the previous American film and was awarded the Golden Palm in Cannes, 1984 for Paris, Texas - impeccably modern, with a script by Sam Shepard on finding and losing, with actors Harry Dean Stanton and Natassja Kinski and music by Ry Cooder. Wenders, admirable film maker and film lover that he was, next took us to Japan with a diary documentary Tokyo-Ga in the form of a pilgrimage and reverence to the great master, Yasujiro Ozu. It was Wenders who, in 1985, opened the eyes of new generations to the cinema of the great Japanese master. In Wim Wenders’ films we could observe his capacity for divesting, invariably making himself seem much smaller in comparison to the icons of one’s cultural background. With him, we learned about the great driving force of humility. In the film, covering Japanese scenarios and rituals as bizarre as they are fascinating, Wenders behaves with the discipline of a pupil and highlights how very Japanese and universal the inestimable cinematographic heritage of Ozu really is. Admiration for Wim Wenders grew with each revelation and each new surprise in his films. The most thrilling of all the films at this stage was, most certainly, his demolishing of the Berlin Wall ahead of time, with Wings of Desire (1987). Chaste angels dare ignore the existence of the abominable wall and fly back and forth over the frontiers, to find the souls they are to guard. Wings of Desire was, deservedly, awarded the Prize from the Public at the 12th Mostra in 1987 and was immediately inserted in the collection of his films that are forever adored. Unforgettable, also, is the fact the angels could see only in black and white. They only saw in color when they became mortals having committed the ‘sin’ of falling in love with live beings. Remarkable also is Wim Wenders’ equally surprising talent and generosity in lending prestige to musical talents to aggregate values to his films. “My life was saved by Rock’n Roll. Because it was this kind of music that, for the very first time in my life, gave me a feeling of identity, the feeling that I had a right to enjoy, to imagine, and to do something”, says Wenders in his official site www.wim-wenders.com. The listing of musicians invited to his films is considerable - Ry Cooder, Daniel Lanois, Willie Nelson, U2, Bono, Nick Cave, BAP, Wolfgang Niedecken, Ronnee Blakley, and Lou Reed, in addition to achieving a world feat by redeeming talent in groups such as the Buena Vista Social Club, of 1998. With this musical documentary, Wenders brought added life to a group of very talented Cuban musicians. Or, as when he focused on the story of three impressive bluesmen - Blind Willie Johnson (1902-1947), Skip James (1902-1969), and J. B. Lenoir (1929-1967) in The Soul of a Man (2003), his feature within the blues series and that, again, was awarded the Prize from the Public at the 27th Mostra. Wim Wenders justifies his choice of the three bluesmen because, in them, he identified characteristics in common: “They were ahead of their time, they wrote their own music, they were complete singers and instrumentalists, and they died unknown and forgotten”. For this film Wim Wenders was awarded the Humanity Prize at the 32nd São Paulo International Film Festival. With his gesture and with his films, he enriched the listing of those formerly indicated to the Mostra Humanity Prize, namely Manoel de Oliveira, Eduardo Coutinho, and Amos Gitai. To all, attention to the films chosen by Wim Wenders with carte blanche. Mostra can finally see its guardian angel in color. Leon Cakoff

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Lucy Barreto Nasceu em 1933, em Uberlândia, Minas Gerais. Casou-se em 1954 com o então repórter fotográfico da revista O Cruzeiro, Luiz Carlos Barreto. Seu primeiro trabalho na área cinematográfica foi como assistente de cenografia de Os Herdeiros (1968), de Carlos Diegues. É uma das mais importantes produtoras brasileiras. Ao lado do marido, está à frente da LC Barreto e da Filmes do Equador, onde é responsável por análises de roteiros e livros que possam ser transformados em filmes. A filha Paula Barreto lhe ajuda na criação e elaboração de projetos. Entre os mais de setenta títulos que produziu e co-produziu, estão alguns dos filmes mais importantes da cinematografia brasileira, como Terra em Transe (1967), de Glauber Rocha, Bye Bye Brasil (1980), de Carlos Diegues, Memórias do Cárcere (1984), de Nelson Pereira dos Santos, e Inocência (1985), de Walter Lima Jr.. Mais recentemente, produziu O Caminho das Nuvens (2003), primeiro longa solo de Vicente Amorim, e A Casa de Areia (2005), de Andrucha Waddington. Produz também filmes dos filhos Bruno e Fabio Barreto. De Bruno, produziu, entre outros, O que É Isso, Companheiro? (1996, indicado ao Oscar 1997 de filme estrangeiro). Fabio Barreto Nasceu em 1957, no Rio de Janeiro. Filho de Lucy e Luiz Carlos Barreto. Estreou com o curta-metragem A Estória de José e Maria (1977), que ganhou o Candango de direção no Festival de Brasília. Seu primeiro longa, Índia – A Filha do Sol (1982), foi produzido por sua avó, Lucíola Villela. Realizou em seguida O Rei do Rio (1985) e Luzia Homem (1987), antes de ser indicado ao Oscar 1996 de filme estrangeiro por O Quatrilho (1995). Entre seus trabalhos mais recentes, estão Bela Donna (1998), A Paixão de Jacobina (2002) e Nossa Senhora de Caravaggio (2005). Marcelo Santiago Foi diretor-assistente em O Quatrilho e Bela Donna, mas também se envolveu na produção de O que É Isso, Companheiro?. Foi produtor associado do documentário 2000 Nordestes (2000, seleção da 24ª Mostra), de Vicente Amorim e David França Mendes, e de Bossa Nova (2000), de Bruno Barreto. Estreou na direção com o curta-metragem Os Filhos de Nelson (2000). Seu primeiro longa foi Sonhos e Desejos (2006), que conferiu o Kikito de atriz a Mel Lisboa no Festival de Gramado.

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Edu Mansur - Diretor de televisão e teatro, produtor e jornalista. Iniciou sua carreira na TV como assistente de direção de Walter Avancini na extinta TV Manchete. Logo depois, ingressou na Globosat, com trabalhos nos canais Multishow, Futura e também no Canal Brasil. Dirige produtos especiais para a TV Globo. Realiza shows, formata e dirige programas de entrevistas, variedades e especiais feitos especialmente para a TV. Marco Mazzola – Um dos principais produtores fonográficos brasileiros. Gravou com nomes como Gal Costa, Milton Mascimento, Ney Matogrosso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Caetano Veloso, entre outros. Trabalhou também com artistas internacionais, como Paul Simon e Quincy Jones, e coproduziu uma faixa gravada por Frank Sinatra em um dos seus últimos discos, em 1993. Criou a Noite Brasileira do Festival de Montreux e integra a Academia do Latin Grammy Awards. É dono da gravadora MZA Music, responsável por artistas como Zeca Baleiro, João Bosco e Martinho da Vila.

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Nasceu em 1966 em Berlim Oriental. Depois de terminar o ensino médio em aulas noturnas, tornou-se criador de ferramentas, designer gráfico e modelo. Em 1989, fugiu da Alemanha Oriental através da Hungria e Áustria rumo a Berlim Ocidental. Retornou a Berlim Oriental depois da queda do Muro. Em 1990, estudou Cenografia na Kunsthochschule Berlin Weißensee, em 1991 direção de arte na HFF Potsdam-Babelsberg. Em 2000, tornou-se diretor de videoclipes e produtor de curtas com bolsa de estudos para jovens jornalistas da Berlin Kontext. Concluiu os estudos em Direção na HFF Postsdam-Babelsberg em 2001. Em 2004, desenvolveu o roteiro do documentário de coprodução internacional Tailor Made Dreams na Discovery Campus Master School. Entre seus trabalhos estão: Lichtkunst (2008), Chinas Kunst Avantgarde (2007) e Pferde In Öl (2006).

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Nasceu em Lisboa, Portugal, em 1965. Iniciou carreira de atriz em 1982 em Silvestre (27ª Mostra), de João César Monteiro. Participou de dezenas de produções de Portugal, Espanha, França e nos EUA. Em seu país, trabalhou com os principais realizadores portugueses, como Manoel de Oliveira, em A Divina Comédia (1991, 15ª Mostra). Em 1994, ganhou a Copa Volpi de melhor atriz no Festival de Veneza pelo filme português Três Irmãos (1994, 18ª Mostra), de Teresa Villaverde. Estreou na direção com A Morte do Príncipe (1991, 16ª Mostra). Também dirigiu Capitães de Abril (2000), Prêmio do Júri de Melhor Filme na 24ª Mostra, o documentário Bem Me Quer... Mal Me Quer (2004, 28ª Mostra), um segmento para o filme Bem-Vindo a São Paulo (2004, 28ª Mostra) e outro para Mundo Invisível (2012, 36ª Mostra), ambos projetos coletivos da Mostra. Integrou o júri da 18ª Mostra em 1994.

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Maria Luisa Mendonça Maisa, como é conhecida, vem produzindo e dirigindo filmes e documentários para cinema e TV há mais de 15 anos e sobre os mais diversos temas (arquitetura, música, direitos humanos, violência etc.). Indonesia: One Struggle, One Chance (1997) e Islands On Fire (1996) são sobre direitos humanos e democracia no Indonésia e Timor do Leste. Instants (1995) trata da vida de um imigrante chileno. Everyday Art (1994) é sobre dança e música cubana. Vicente Franco O diretor já trabalhou em mais de dez documentários sobre direitos humanos na América Latina e entre latinos nos EUA. Em sua filmografia constam títulos como The Fight in the Fields: Cesar Chavez and the Farmworkers´ Struggle, The Challenge of the Next Generation e Freedom on My Mind (indicado ao Oscar).

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Love Life é seu primeiro filme. Com Laila Stieler, ela escreveu o roteiro para a versão em cinema do best-seller de Zeruya Shalev. Nasceu em Hanover e estreou como atriz em 1983, no Hanover Staatstheater. No mesmo ano, começou suas aulas de teatro na Max Reinhardt Seminary Drama School, em Viena, e mudou-se para Berlim três anos depois. Com o diretor Dany Levy, escreveu o roteiro da comédia Robbykallepaul e nela fez sua primeira participação como atriz. Em 1992, recebeu o Prêmio Max Ophüls por sua segunda colaboração com Dany Levy, I Was on Mars. Entre os filmes que se seguiram estão Flirt (1994), de Hal Hartley, Stille Nacht (1996), de Dany Levy, Meschugge (1998), co-direção com Dany Levy, The Tulse Luper Suitcases (2003), de Peter Greenaway, e Rosenstrasse (2003), de Margarete von Trotta.

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ISABEL COIXET Nasceu em Barcelona, Espanha, em 1960. Estreou em 1984 com o curta Mira y Verás, que integrou a seleção da 9ª Mostra. Participou também do filme coletivo Paris Te Amo, selecionado para a 30ª Mostra. A Vida Secreta das Palavras conquistou o prêmio Lina Mangiacapre no Festival de Veneza 2005 e ganhou quatro prêmios Goya 2006, foi selecionado para a 30ª Mostra. Invisíveis foi exibido na 31ª Mostra. WIM WENDERS Nasceu em 1945, na Alemanha. Participou de várias Mostras: O Amigo Americano (3ª Mostra), Hammett e O Estado das Coisas (8ª Mostra), Tokyo-Ga (10ª Mostra e 27ª Mostra), Asas do Desejo, vencedor do Prêmio do Público na 12ª Mostra e Paris, Texas (13ª Mostra). Dirigiu, ainda, O Filme de Nick (15ª Mostra), Até o Fim do Mundo (16ª Mostra) e Ode a Colônia (26ª Mostra), além de dois segmentos de projetos coletivos: A Alma de um Homem (parte da série The Blues) – vencedor do Prêmio de Público da Mostra – e um dos episódios de Dez Minutos Mais Velho – o Cello, ambos na programação da 27ª Mostra. A 28ª Mostra exibiu Terra da Fartura e Estrela Solitária esteve na 29ª Mostra. FERNANDO LEÓN DE ARANOA Nasceu em Madri, em 1968. Esteve na Mostra com Família (22ª Mostra) e Segunda-Feira ao Sol (27ª Mostra). Princesas participou da 30ª Mostra. MARIANO BARROSO Nasceu em Barcelona, em 1959. Aos 28 anos, mudou-se para Los Angeles, onde estudou no Instituto Americano de Cinema. Dirigiu telefilmes e filmes para cinema como Ecstasy (1996), Kasbah (2000) e Ants in the Mouth (2005). Suas premiações incluem os festivais de Toulouse, Berlim e Londres, além dos prêmios Goya, Círculo da Crítica de Nova York e Luis Buñuel. JAVIER CORCUERA Estudou Cinema no Peru e Ciências Visuais na Universidade Complutense de Madri. Fez curtas e longas, a maioria documentário. Suas premiações incluem Prêmio da Crítica no Festival de San Sebastián e Prêmio do Festival de Cinema de Havana. É co-diretor do Festival Internacional de Cinema do Saara. CARTA BRANCA A WIM WENDERS - PRÊMIO HUMANIDADE 2008 Wim Wenders tem carta branca da Mostra Internacional de Cinema para programar o que quiser. Ele é um dos autores mais presente ao longo das edições da Mostra e da nossa história de cinéfilos. Sempre corajoso em manifestar as suas inquietudes frente a um mundo com signos enganadores de modernidade, Wenders manifesta seu inconformismo com perturbadora sagacidade, presença de espírito, inovação e constante busca de fórmulas inovadoras de expressão. Mutante e suficientemente corajoso, nunca escondeu o seu fascínio pela cultura popular americana e seus ícones que povoam o nosso imaginário. Fascínio confesso com crítica, não deslumbramento

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Nasceu na Itália em 1915. Entre os anos 1930 e 1940, trabalhou como assistente de direção e colaborou em roteiros. Com Steno, codirigiu longas-metragens como Filhas do Desejo (1950) e Totó Procura Casa (1949). A partir de Proibito (1954), passou a assinar sozinho a direção de seus filmes e tornou-se um dos nomes fundamentais da comédia à italiana. Em sua extensa filmografia estão, entre outros, A Grande Guerra (1959), vencedor do Leão de Ouro no Festival de Veneza; Ladrão Apaixonado (1960); Os Companheiros (1963); Meus Caros Amigos (1975); As Duas Vidas de Mattia Pascal (1985), Parente É Serpente (1992, 17ª Mostra) e Em Busca do Paraíso (1995, 20ª Mostra). Seu filme Un Borghese Piccolo Piccolo (1977) foi exibido na retrospectiva do cinema político italiano na 30ª Mostra, em 2006. Morreu em Roma em 2010 aos 95 anos de idade.

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Nascido em 1941, Mark Rappaport é cinéfilo desde a infância. Começou a trabalhar no cinema como editor, enquanto financiava e dirigia seus próprios curtas-metragens. Com seu primeiro longa, Casual Relations, de 1973, foi incluído pela imprensa especializada no rol dos cineastas experimentais. Mas colocou-se fora da ortodoxa vanguarda americana com Mozart in Love, realizado em 1975. Três anos depois usou árias de Orfeu, de Gluck, para ilustrar o amor de duas mulheres pelo mesmo homem, em Scenic Route. Em 1990, trabalhando com vídeo, fez Postcards, com uma dimensão analítica e paródica muito próxima do estilo de Histórias do Cinema, de Godard. Nessa mesma linha fez, dois anos depois, Os Filmes "Secretos" de Rock Hudson(seleção da 18ªMostra), expondo o contraste entre a figura pública do ator e sua vida privada.

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MARTIN FARKAS Nasceu em 1964 e trabalhou em vários documentários na Ásia, América do Sul, África e Europa, após graduar-se na escola secundária. Depois disso, estudou Ciências Sociais com especialização em Sociologia e Psicologia, e passou a trabalhar como cineasta. Dirigiu premiadas obras de vídeoarte e comerciais. Desde 1994, tem feito o trabalho de câmera em documentários e filmes exibidos e premiados em festivais de cinema. Atuou como câmera em filmes e minisséries para a TV alemã. Participou da 24ª Mostra como fotógrafo de Martin (1999), de Ra`anan Alexandrowicz. MATTHIAS ZUBER Produtor e diretor, nasceu em 1965. Formou-se na Escola Alemã de Jornalismo em 1998 e fundou a produtora Medienkontor Polyeides em 1999. Desde então, tem trabalhado como um redator freelance para os jornais Stern, die Zeit, e Süddeutsche Zeitung, entre outros. Trabalhou como repórter e documentarista para as rádios alemãs, e ainda como escritor freelance, diretor, operador de câmera, editor e produtor de televisão. Em 2000, foi corroteirista do documentário A Woman and a Half, sobre Hildegard Knef. Como professor, leciona na Escola Alemã de Jornalismo.

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Ricardo Darín - Nasceu em 1957, em Buenos Aires, de pais atores. Ele atuou em várias séries de TV, tal como “Alta Comedia” e “Estación Retiro”. Um de seus papéis mais importantes no cinema nesse período foi em Perdido por Perdido (1993), estréia de Alberto Lecchi na direção. Depois, Darín atuou em longas como El Faro (1998), Mesmo Amor, Mesma Chuva, selecionado para a 27ª Mostra, e Nove Rainhas (2000). Em 2001, atuou em O Filho da Noiva, seguido por Kamchatka (2002), Clube da Lua, que participou da 29ª Mostra, assim como El Aura, e XXY (2007), de Lucía Puenzo, presente na 31ª Mostra. O Sinal é sua primeira direção. Martín Hodara - Nasceu em 1967. É publicitário e seu primeiro trabalho para cinema foi o curta Alicia (1987), que escreveu, dirigiu e produziu. Acumulando as mesmas funções, realizou o curta Estare Esperando (1991). Foi diretor-assistente em diversas produções, como El Faro (1998), de Eduardo Mignogna, Nove Rainhas (2000) e El Aura, de Fabián Bielinski, selecionado para a 29ª Mostra. O Sinal é seu primeiro longa.

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Alberto Piccinini - Jornalista e roteirista de TV. Escreveu programas para a MTV Itália e colaborou com editoriais para Il Manifesto, jornal diário em que escreve regularmente sobre futebol. Escreveu os livros Fratellini d’Italia, Ambra, brand:new e Figu Mundial. Co-escreveu ainda o roteiro da comédia Tutti all’Attacco (2005), de Lorenzo Vignolo. Giovanni Giommi - Nasceu em Milão, em 1965. Depois de se formar em Arquitetura, ele se dedicou à Civic Cinema School of Milan e também trabalhou com vídeo-arte. Em 1997, começou a trabalhar nos canais de televisão Tele+ e MTV Itália, como produtor e diretor. Escreveu e dirigiu os documentários Sol y Sombra (1997), Nel Cuore delle Alghe e dei Coralli - I Cento Passi di Peppino Impastato (1999), o média-metragem Béisbol (2000), Nice! (2003) e Frames - Variazioni per Catena di Montaggio (2004). Massimo Coppola - Nasceu em Salerno, em 1972. Escreveu e dirigiu La Regola del Contemporaneamente (2001) e Me Fella (2005). Escreveu, dirigiu e apresentou a série de documentários Avere Ventanni, de 2005, sobre a juventude italiana na era Berlusconi. É também ator, como em Lavorare con Lentezza (2004), de Guido Chiesa.

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Nasceu em 10 de dezembro, de 1972, em Teerã, Irã. Roteirista, diretor e produtor. Formou-se em fotografia e cinema na IYC (Iranian Young Cinema Society). Estudou na Nuova Universitá del Cinema e della Televisione, em Roma, Itália. Escreveu e produziu episódios da série Voyage of Oil, para a TV Sahar, em 1997. Escreveu, dirigiu e produziu documentários em curta-metragem, como A Short Report (1998), Identification of a Woman (1999, prêmio do público no Evry Film Festival 2002), Cinecittá (2000, melhor documentário no Festival Internacional de Teerã e pela crítica iraniana, ambos em 2000), Praying for the Rain (2000, melhor documentário no Eco-Etno-Folk Film Festival România 2004), Sayat Nova (2000), Hi Tokyo (2001), When Behrang Meets Ayumi (2001) e Lost Windows (2002).

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Michael Winterbottom - Nasceu em 1961, em Blackburn, Inglaterra. Estabeleceu uma filmografia eclética. Em cinema, estreou com o thriller O Beijo da Borboleta (1995). Integrou a seleção da 22ª Mostra com Bem-Vindo à Sarajevo (1997). Participou da 26ª Mostra com A Festa Nunca Termina (2002, melhor produção segundo o British Independent Film Award). Foi ainda do drama político (Neste Mundo, de 2002, Urso de Ouro no Festival de Berlim) à ficção científica (Código 46, de 2003, prêmio de roteiro e trilha sonora, além do Grand Prize of European Fantasy Film, em Sitges – Festival de Cinema da Catalunha) e ao erotismo musical (9 Canções, de 2004, prêmio de fotografia no Festival de San Sebastián). Mat Whitecross - Colabora com Michael Winterbottom desde Neste Mundo (2002), onde foi assistente de produção. Editou 9 Canções (2004) e Caminho para Guantánamo, que marca sua estréia como co-diretor. Produziu e foi assistente de direção do curta A Ticket Too Far (2006).

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Y. David Chung - Nasceu na Alemanha, em 1959. Chung começou sua carreira colaborando como artista em filmes documentários. Seus créditos incluem Surveillance, No Place to Hide (HBO), American Journey (PBS), Gardens of Paradise (PBS), The Forgotten People (PBS), Soldiers in Hiding (HBO) e Peace on Borrowed Time (ABC). Dirigiu Turtle Boat Head. É professor associado da Escola de Arte e Design e do Programa de Estudos Coreanos na Universidade de Michigan. Matt Dibble - Nasceu nos EUA, em 1959, trabalhou mais de 20 anos como cineasta de documentários. Seus créditos incluem especiais para a TV pública: The Mystery of Chaco Canyon (co-roteirista, editor), Rising Waters: Global Warming and Fate of the South Pacific Islands (editor), Forsaken Cries: the Story of Rwanda (editor), e Expedition Alerce: Lost Forest of the Andes (câmera, editor). Também cria vídeos para exibições em museus e acaba de completar uma instalação com quatro telas para o novo Centro do Holocausto e dos Direitos Humanos em Augusta, Maine, EUA.

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Cineasta, trabalha numa variedade de projetos abrangendo de episódicos longas a comerciais. Dirigiu a série Timeless para a ESPN. Para série apresentada em horário nobre da ESPN, The Life, dirigiu e produziu episódios documentando a experiências reais de algumas personalidades famosas nos esportes, incluindo aquele que narra os fatos do Angola Prison Rodeo. Seu interesse em filmagem de estilo foi o pontapé inicial para que a moda e beleza assegurassem presença na CBS, onde ele dirigiu uma seqüência de shows da Victoria’s Secret. Para a VH1 dirigiu o piloto de Players, traçando o perfil do astro do hip hop, Ludacris e sua meteórica ascensão à fama. Seguindo o furacão Katrina, Ogens passou três semanas como um dos cineastas que acompanharam a Cruz Vermelha para documentar a devastação.

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MATHEW KAUFMAN Diretor e produtor, nasceu em Mount Kisco, Nova York, e formou-se na Tisch School of Film Arts da Universidade de Nova York. Produz e dirige filmes e vídeos há mais de uma década em sua empresa Zip Dog Productions, com sede em Nova York. Seus trabalhos anteriores nos documentários, Swap Carne (1994), Domestic Differences (1997) e duas partes da série para a TV The Messengers (2003) receberam elogios da crítica. JON HART Diretor e produtor e jornalista, Jon Hart colaborou com dezenas de jornais e revistas, incluindo The New York Times, The New York Post, Time Out New York, Maxim, Details e The Village Voice. Sua especialidade é o jornalismo investigativo, com reportagens em primeira pessoa. Na televisão, Hart tem escrito para a MTV e ESPN. Nascido em Nova York, Hart formou-se na Universidade de Vermont com bacharelado em Ciências Políticas.

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Joris Ivens nasceu em 1898, em Nimege, na Holanda. Seu pai tinha uma loja de aparelhos fotográficos que, pouco a pouco, se transformou num importante entreposto das novidades da fotografia e do cinema, com o nome de Capi (iniciais do nome do pai de Joris: Cornélius, Adrian, Peter, Ivens). Graças a essa convivência, o jovem Joris estréia no cinema com a idade de 13 anos, dirigindo o seu primeiro curta "A Flecha Ardente", com toda família vestida de índio. Sua carreira de cineasta se intensificou com os movimentos de vanguarda nos anos 30 e logo se tornou o grande nome entre todos os documenteristas da história do cinema. Joris Ivens realizou mais de 60 filmes nos quatro cantos do mundo, registrando guerras, culturas e revoluções; a luta do homem contra a natureza, injustiças e belezas. O seu cinema é um legado para a humanidade. Ivens morreu em junho de 1989 deixando "História do Vento", co-dirigido com sua mulher Marceline Loridan, como último testamento. Este filme destacou-se na seleção da 13ª Mostra e volta na 15ª como parte da homenagem prestada a Joris Ivens, com a participação de Marceline Loridan.

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Nasceu em Helsinque, em 1883, filho de um músico da armada russa de origem judaica. Maurtiz Stiller aprendeu desde pequeno canto, violino, línguas estrangeiras e a citar de cor Shakespeare e Molière. Para escapar do serviço militar na Finlândia ainda dominada pelo tsar, fugiu para a Suécia, país que adotou como pátria. Apaixonado pelo teatro, começou a trabalhar como ator, participando de várias trupes antes de conhecer o futuro cineasta Victor Sjöström, mestre do cinema sueco. Sjöström e Stiller atuaram em inúmeros curtas, alguns perdidos depois de um incêndio na produtora Svenka Bio. Entre seus primeiros trabalhos estão As Máscaras Negras (De Svarta Maskerna), A Vampira (Vampyren), O Marido Tirânico (Den Tyranniske Fästmannen), A Criança (Barnet), todos de 1912. Sua primeira obra de envergadura foi Amor e Jornalismo (Kärlec och Journalistik, 1916), comédia sobre uma jovem repórter que se emprega na casa de um desbravador dos pólos para conseguir um furo. Seguiram-se O Melhor Filme de Thomas Graal (Thomas Graals Bästa Film, 1917) e outras comédias. Em 1920 fez Erotikon, uma sensual adaptação de uma peça do húngaro Ferenc Herczeg, cuja extravagância e espírito dândi renderam-lhe comparações com Ernest Lubistch. Enquanto Victor Sjöström consolidava sua reputação com adaptações dramáticas baseadas na literatura escandinava, Stiller seguiu o mesmo caminho, com roteiros detalhados e personagens complexos, e fez Canção Sobre a Flor Escarlate (Sången om den Eldröda Bloman, 1919), adaptado do romance do escritor finlandês Johannes Linnankoski. De Selma Lagerlöf, uma das autoras preferidas de Sjöström, Stiller tirou O Tesouro do Sr. Arne (Herr Arnes Pengar, 1919), cujas suntuosas imagens influenciariam Sergei Eisenstein em Ivan, o Terrível (1942-1946). Da mesma escritora, adaptou A Velha Mansão (Gunnar Hedes Saga, 1923) e A Saga de Gösta Berling (Gösta Berlings Saga, 1924), no qual revela, aos 19 anos, a atriz Greta Gustafson, mais tarde conhecida como Greta Garbo. Com o sucesso do filme e da jovem atriz, Stiller e Garbo são contratados para fazer A Odalisca de Smolina na Alemanha, mas o projeto é abandonado. O produtor americano Louis B. Mayer convida a dupla para trabalhar em Hollywood, mas o autoritarismo do diretor Irving Thalberg não permitiu que Stiller terminasse Torrente (1926), estrelado por Garbo, pois o diretor gastou mais do que permitia o orçamento. O mesmo se deu com A Tentação (The Temptress, 1926). Trocando a MGM pela Paramount, Stiller pôde realizar, com controle maior de produção, Hotel Imperial (1927) e Confissão (The Woman on Trial, 1927), ambos com Pola Negri no papel principal. Vítima de uma depressão, não consegue terminar nenhum de seus trabalhos seguintes, como Arame Farpado (Barbed Wire, 1927) e A Rua do Pecado (The Street of Sin, 1928), quando foi substituído por Josef von Sternberg. Morreu em 1928, em Estocolmo, aos 45 anos, quando voltou ao país para tentar se recuperar de uma estafa. A 27ª Mostra promove uma retrospectiva completa de Stiller, em colaboração com a Cinemateca Sueca.

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Um dos comediantes mais populares do atual cinema italiano. É fortemente influenciado pela mímica e gosta de brincar com a linguagem do cinema, da publicidade e do desenho animado, como mostram seus últimos filmes "Ladrões de Sabonete"(88, exibido na 14ª Mostra) e "Volere Volare"(90, 15ª Mostra). Estudou mímica, formou-se em arquitetura na Escola Politécnica de Milão e trabalhou no Piccolo Teatro, na mesma cidade. Em 1974, fundou a cooperativa teatral "Quellidigrock", que também funcionou como uma escola de mímica. Foi diretor de filmes publicitários, além de escrever e atuar como ator em diversos longas, como "Allegro Non Troppo"(76). Escreveu e apresentou vários shows para a TV italiana (RAI), incluindo "Pista", entre 1986 e 1987. Seu primeiro longa-metragem foi "Ratataplan"(79), sucedido por "Ho Fatto Splash"(80), "Domani si Balla"(82) e "Il Bi e Il Ba"(85).

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Nasceu em Fot Worth, EUA, e começou sua carreira artística aos oito anos de idade, trabalhando como ator em comerciais, filmes e programas de TV. Depois de graduar-se pela Universidade do Texas em Austin em 1991, atuou em algumas peças e passou um ano estudando artes cênicas e dramaturgia na London Academy of Music and Dramatic Art na Inglaterra. Em 1995 mudou-se para Nova York e co-fundou a Artist Theater Company, onde escreveu e dirigiu diversas peças. Em 2002 escreveu o roteiro de Três Dias de Chuva durante o laboratório de roteiros de Sundance, dirigindo depois o longa-metragem que foi exibido em festivais como Tribeca, Berlim e Montreal. Em 2004 co-escreveu o roteiro de Terra da Fartura (28ª Mostra) com Wim Wenders. CARTA BRANCA A WIM WENDERS - PRÊMIO HUMANIDADE 2008 Wim Wenders tem carta branca da Mostra Internacional de Cinema para programar o que quiser. Ele é um dos autores mais presente ao longo das edições da Mostra e da nossa história de cinéfilos. Sempre corajoso em manifestar as suas inquietudes frente a um mundo com signos enganadores de modernidade, Wenders manifesta seu inconformismo com perturbadora sagacidade, presença de espírito, inovação e constante busca de fórmulas inovadoras de expressão. Mutante e suficientemente corajoso, nunca escondeu o seu fascínio pela cultura popular americana e seus ícones que povoam o nosso imaginário. Fascínio confesso com crítica, não deslumbramento

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Nasceu em Versalhes, na França, em 1963. Freqüentou a Escola de Artes em Paris e tocou bateria na banda Oui Oui. Permaneceu no grupo até 1992. Na seqüência, dirigiu clipes musicais para a cantora Björk e para os grupos Chemical Brothers, Massive Attack, Daft Punk e Cibo Matto, entre outros. Em 1998, assinou o curta La Lettre. Em 2001 completou seu primeiro longa, A Natureza (Quase) Humana, baseado num roteiro de Charlie Kaufman. Seu longa Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças rendeu a ele e a Kaufman o Oscar 2005 de roteiro original. Sonhando Acordado (2006, 31ª Mostra) conquistou o prêmio de melhor trilha sonora da União dos Compositores de Música para Filmes (UCMF), no festival de Cannes 2007, e também foi o preferido do público no Festival de Cinema de Paris.

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Depois de estudar Cinema, optou pelo Jornalismo e colaborou para revistas. Em 1994, realizou Napoli 90, documentário sobre a cidade de Nápoles, seguido de Les Limbes (1998), uma evocação da Rússia pós-soviética. Em 2001, dirigiu L’ Arpenteur, complementado por Le Lac et la Rivière (2002), também um média de ficção. Durante 12 anos, trabalhou como diretor de produção de curtas e médias-metragens, principalmente de diretores armênios, entre eles Arthur Pelechian. Em 2001, ao lado de Sarah Petit, realizou L’ Arpenteur, filme que trata do desenraizamento e da vida em comunidade. No ano passado, fundou a sociedade Les Films Hatari e produziu Le Lac et la rivière, complemento de L’ Arpenteur. Atualmente produz uma série de curtas intitulada Portraits.

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Nasceu em Paris, em 1957. É jornalista e produtor de TV, além de especialista na história de programas televisivos. Realizou diversas produções e especiais para o Canal +. Monstro sagrado e controverso do cinema, Godard é há 40 anos uma personalidade da mídia. Sua presença na TV nunca foi nem será medíocre, banal. Um dos fundadores da Nouvelle Vague nos anos 60, militante e criador nos anos 70 da Politique des Auteurs (na qual o diretor é o único autor na produção de um filme) e teórico da imagem nos anos 80 e 90, ele define a televisão como um mero happening. Isso porque, em sua opinião, "alguma coisa" sempre acontece na TV. Sua participação gera momentos inesquecíveis ou, em outras palavras, a subversão na rotina televisiva. Na opinião de Godard, a TV produz o esquecimento e o cinema, a memória.

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Nasceu em 1912 em Ferrara, Itália, e morreu em 2007. Explorou a incomunicabilidade em seus filmes e influenciou toda uma geração. Depois de trabalhar como jornalista e crítico de cinema, foi assistente de direção de Roberto Rossellini, Giuseppe de Santis e Michel Carné. Em 1943 fez o curta Gente del Po. Em 1948 escreveu o roteiro de Abismo de um Sonho, que Fellini levou para as telas quatro anos mais tarde. Seu primeiro longa foi Crimes D`Alma, de 1950. Sempre inovador, imprimiu em seus filmes experimentações estéticas e narrativas, em obras como Blow Up, Depois Daquele Beijo (1967), Zabriskie Point (1969) e Passageiro: Profissão Repórter (1975). Em 1980, dirigiu O Mistério de Oberwald, exibido na 4ª Mostra. Dirigiu também Identificação de uma Mulher em 1982, ficando depois 13 anos sem filmar devido a um derrame que sofreu. Mas ainda rodou Além das Nuvens (1995), que foi destaque da 19ª Mostra, e um dos segmentos de Eros (2004).

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Nasceu em Lisboa em 1972. Estudou na Escola Superior de Teatro e Cinema na capital portuguesa e trabalhou como crítico de cinema do jornal “Público”, entre outros, entre 1996 e 2000. Em 2012, teve uma retrospectiva “precoce” de sua obra na 36ª Mostra, que incluiu os premiados curtas-metragens Entretanto (1999), Inventário de Natal (2000), Trinta e Um (2002), Kalkitos (2002) e Cântico das Criaturas (2006) e os longas-metragens A Cara que Mereces (2004), Aquele Querido Mês de Agosto (2008) —vencedor do Prêmio da Crítica na 32ª Mostra— e Tabu (2012), vencedor dos prêmios Alfred Bauer (de contribuição à linguagem cinematográfica) e Fipresci (da crítica internacional) no Festival de Berlim. A Mostra também exibiu o curta-metragem Redemption (2013), em sua 37ª edição.

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Leslie Grief - Nasceu em 30 de julho de 1960, em Hollywood, na Califórnia. Seu primeiro longa-metragem foi o mistério noir Acerto de Contas (1997), que também produziu. Greif criou o reality show Gene Simmons Family Jewels e co-dirigiu e foi produtor executivo da série Walker, Texas Ranger. Também co-produziu o aclamado documentário Steve McQueen: the Essence of Cool (2005) e dirigiu Funny Money (2006). Mimi Freedman - Nasceu em Toledo, no estado de Ohio (EUA), em 1961. Conquistou seu mestrado em História do Cinema, Teoria e Crítica pela UCLA. Desde então, finalizou mais de 50 documentários, especiais para TV e episódios de séries televisivas. Brando é o segundo filme para a Turner Classic Movies: em 2005, realizou Steve McQueen: The Essence of Cool. Outros projetos incluem os premiados Backstory: How Green Was My Valley (2001) e Charlie Sheen: Born To Be Wild.

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UM MESTRE DAS RELAÇÕES HUMANAS DO JAPÃO PÓS-GUERRA

Minoru Shibuya nasceu em Asakusa, Tóquio, em 2 de janeiro de 1907. Quase desconhecido fora do Japão, seu interesse por cinema se inicia quando estudava literatura inglesa na Universidade de Keio, na capital japonesa. Começa sua carreira no cinema em 1929, como assistente de câmera não remunerado no célebre estúdio japonês Shochiku, que abrigava diretores como Yasujiro Ozu, Kenji Mizoguchi, Keisuke Kinoshita e Yoji Yamada.

No Shochiku, Shibuya se tornou mais tarde assistente de direção de Mikio Naruse e Gosho Heinosuke, e realizou, entre as décadas de 1930 e 60, a maioria dos seus mais de 40 filmes. Dirigiu sucessos de público e desempenhou um importante papel na indústria do cinema japonês, pouco acostumada a comédias. Em 1943, convocado para o serviço militar, foi enviado para o front chinês, retornando ao Japão em abril de 1946, após o fim da Guerra do Pacífico.

Seus principais filmes são justamente do período pós-Segunda Guerra, em que seus dramas sociais e comédias se equilibram entre ironia e desilusão, onde, segundo o crítico americano Chris Fujiwara, "seus inúmeros filmes sobre famílias nunca deixam de duvidar da estabilidade dos papéis familiares e dos relacionamentos". Retratando um Japão permeado por questões essencialmente urbanas, os filmes de Shibuya são margeados por temas como a herança pós-guerra, o choque geracional irrefreável entre tradição e modernidade, as relações humanas regidas pelo dinheiro e a ascensão social, o alcoolismo e a abertura japonesa aos hábitos estrangeiros.

Desse período, destacam-se O Dia de Folga do Médico (Honjitsu kyushin, 1952), adaptação do romance de Ibuse Masuji; Pessoas Modernas (Gendaijin, 1952), que mescla drama social a corrupção política; Retidão (Seigiha, 1957), baseado no romance de Shiga Naoya.

A partir de Um Bom Homem, Um Bom Dia (Kojin kojitsu, 1961), seu apuro visual fica evidente pelas composições em GrandScope (espécie de CinemaScope japonês), em filmes como Os Passarinhos (Mozu, 1961) e O Paraíso dos Bêbados (Yopparai tengoku, 1962). Seu último filme pelo estúdio Shochiku foi O Rabanete e a Cenoura, (Daikon to ninjin, 1964), uma homenagem a Ozu que teve como base anotações sobre um roteiro não terminado do recém-falecido cineasta, de quem Shibuya foi assistente. Influenciado por Ozu, Shibuya também foi influência para as gerações posteriores: ele teve como seus assistentes de direção cineastas futuros cineastas como Shohei Imamura (A Balada de Narayama, 1983; retrospectiva na 21ª Mostra, em 1997); e Yoji Yamada (História de Kyoto, 2010, 34ª Mostra). Minoru Shibuya morreu em decorrência de pneumonia em 1980, aos 73 anos.

A 36a Mostra agradece a colaboração do festival Tokyo FilmEX na obtenção das cópias dos filmes do mais importante período criativo desse grande cineasta.

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Nasceu em maio de 1923 em Bengal Oriental - atualmente Bangladesh - e lá viveu até 1940, quando foi para Calcuta para estudar física. Entretanto, interessou-se por gravações e estabeleceu contato com um estúdio de cinema, onde trabalhou como aprendiz por alguns meses, fazendo todo tipo de serviço não criativo até descobrir sua verdadeira vocação no cinema. Nesta época deixou o estúdio e passou o tempo lendo livros sobre a estética dos filmes e escrevendo sobre o tema. Financeiramente, sua condição beirava a pobreza total. Enquanto estudava, Sen aproximou-se do Partido Comunista da Índia (PCI) sem jamais tornar-se um membro oficial. Entre 1943 e 47, nas mais adversas condições políticas, sociais e econômicas do país, Sen foi atraído para um novo movimento cultural iniciado pelo PCI, popularmente conhecido como "Associação de Teatro da Índia Popular". Até 1950, Sen mudou várias vezes como revisor de textos, outras como sub-editor de um desconhecido ou pouco conhecido jornal, de vez em quando dando aulas particulares para jovens estudantes, e quase sempre escrevendo sobre filmes para a seção cultural do PCI. Por volta dessa época, traduziu para o bengali a novela tcheca póstuma "The Cheat", de Carel Capek, além de escrever um livro sobre a vida e a obra de Charles Chaplin.Em 1956, Sen conseguiu um patrocinador para seu primeiro filme que, em suas próprias palavras, `nunca deveria ter sido feito`. Em 1959, Sen rodou seu segundo filme, enfatizando o tema de que a luta indiana pela libertação nacional durante o domínio britânico era inseparável da luta do mundo livre contra o fascismo. A história passava-se em 1933-37, quando a Índia vivia um período difícil com os colonizadores britânicos. Na mesma época em que o Japão militarista atacava a China. O filme foi sucesso financeiro mas, citando Sen novamente, `apenas um meio-sucesso artístico`.Desde então, Sen tem filmes inspirados pelo mundo a sua volta, onde os milhões de habitantes desesperados de seu país, tendo conhecido a humilhação e degradação, lutam continuamente para ter um mundo melhor para viver. Atualmente, Sen faz seus filmes com regularidade, escreve seus próprios roteiros e está sempre em luta fanática para encontrar patrocinadores. Sen está ativamente associado ao Instituto de Cinema da Índia, trabalhando como professor convidado e conselheiro. E consciente dos benefícios mútuos de suas visitas ao Instituto de Cinema onde pode passar aos estudantes sua experiência pessoal e compreensão, além de revigorar-se com a vitalidade deles, impaciência juvenil e mesmo sua arrogância.De acordo com sua recente afirmativa, Sen não se sente envergonhado em usar o cinema como meio de propaganda, desde que os filmes sejam emocionalmente ativos e, desta forma, artisticamente válidos.

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